FOLLE LUCIA

LUCIA ASSASSIN(É)E

         Rassurons-nous, Lucia de Lammermoor est toujours assassine de son époux, qui tout innocent qu’il soit, le mérite mille fois dans cette mise en scène où, finalement c’est elle, c’est l’œuvre qui est assassinée.

LUCIA DI LAMMERMOOR

Opéra en trois actes de Gaetano Donizetti

Livret de Salvadore Cammarano


d’après le roman La Fiancée de Lammermoor 
de Walter Scott

Naples (1835)

À l’occasion de tant de Lucia qui ont hanté nos scènes, j’ai publié mes textes sur « La folie dans l’opéra » (France-Culture, Les Chemins de la musique, émission de Gérard Gromer, en partie utilisées pour mon émission de  Radio Dialogue RCF, « Le blog-note de Benito »). On peut les retrouver aisément sur mon blog sur mes diverses critiques à Lucia di Lammermoor. Je n’en donne ici qu’un résumé.

            Hommes et femmes en folie

         Je rappelle simplement que, dans l’opéra, la folie semble d’abord masculine : l’Orlando furioso de l’Arioste, mis en musique par Lully, Hændel, Vivaldi, Haydn, et des dizaines d’autres compositeurs, est aussi le modèle de l’héroïsme déchu. Xerxès, Serse, de Cavalli ou Hændel, et de tant d’autres sur le livret de Métastase, est un général et roi des Perses fou qui chante son amour à un platane dans le célèbre « Largo ». Mais il faut attendre la fin du XVIII^e siècle et Mesmer, le célèbre magnétiseur, puis Ségur au début du XIX^e, pour attirer l’attention sur le somnambulisme féminin, référé à la folie et provoqué par la musique, l’harmonica en l’occurrence.

         La folie féminine est donc un thème à la mode lorsque Walter Scott publie en 1819 son roman, The bride of Lammermoor, qui fait le tour de l’Europe, inspiré d’un fait réel en 1668, histoire écossaise de deux familles ennemies et de deux amoureux, autres Roméo et Juliette du nord, séparés par un injuste mariage qui finit mal puisque Lucy, lors de sa nuit de noces, poignarde le mari qu’on lui a imposé et sombre dans la folie.

Bellini, en 1827 fait chanter la première folle à l’opéra, Imogène, dans Il pirata. Donizetti réplique par son Ana Bolena (1830) qui perd la tête avant que son roi de mari ne la lui fasse trancher. En 1831, donne à la même Pasta La sonnambula, la somnambule, rôle où triomphera aussi la Malibran : Amina, affligée de somnambulisme, le matin de ses noces, est retrouvée dans la chambre non de son fiancé, mais d’un comte. Conte à dormir debout, mais on imagine le diagnostic : folie. En 1834, Donizetti rebondit sur le thème avec  Maria Stuarda, héroïne qui perd aussi la raison avant de donner son cou à la hache d’Élisabeth d’Angleterre. Janvier 1835, à Paris : Bellini encore, qui mourra en septembre de la même année, offre cette fois-ci à Giulia Grisi, qui voulait aussi son opéra et sa folie, I puritani, ‘Les Puritains’. La même année 1835, mais en septembre, trois jours après la mort de Bellini, à Naples, Donizetti donne le modèle indépassable de l’air de la folie avec Lucia de Lammermoor. Arrêtons-là cette folle décennie, bien que d’autres folles lyriques suivront, Azucena, Lady Macbeth, Ophélie….

Les grandes cantatrices, qui remplacent désormais les castrats dans la plus folle virtuosité, requièrent des compositeurs des scènes de folie qui justifient les acrobaties vocales les plus déraisonnables, libérées des airs à coupe traditionnelle mesurée. Bref, sur scène, la femme perd la raison qu’on lui dénie souvent encore à la ville : à la fin du XIX ^e siècle, des savants, des phrénologues, concluent encore sérieusement que le moindre poids du cerveau de la femme explique son infériorité naturelle à l’homme.

         Peut-être n’est-il pas indifférent de rappeler que, juste avant sa mort, Donizetti fut enfermé dans un asile d’aliénés à Ivry…

Réalisation et interprétation

Le rideau s’ouvre : un vaste rideau couvre tout le champ de la scène, aspect molletonné ou pavé, mur se déployant en lourde muraille grise puis s’allégeant en écran aux transparences délicates : étang, rive ou rivage frémissant de vaguelettes, fleuri de marguerites, éclairée de bougies ou opacifié de roches, sanguinolent ; variant donc et dessinant et définissant des espaces divers. Derrière, sur toute la longueur du cadre de scène, des degrés (décors de Josef Svoboda, réadaptés par Benito Leonori). Les lumières du metteur en scène Henning Brockhaus créeront, à travers ce voile qui met une distance onirique à la scène, quelques images poétiques comme la harpe et la harpiste perchées sur une hauteur, telle une image de rêve.

C’est ce qu’on retiendra pour s’acharner à trouver quelque chose de positif à cette mise en scène, si mise en scène il y a, ridicule. Mais hélas, d’entrée, ces soldats à grands boucliers romains mais en casques de poilus de la Grande guerre, étagés comme plus tard les chœurs en statique rang d’oignons sur les degrés, que les acteurs du drame monteront ou descendront un peu pour dire sans doute leur désarroi (ah ! ils se roulent aussi par terre de désespoir), en plus de se jucher sur le socle à jardin pour mieux clamer et déclamer leur partie. Et n’oublions pas cette table Louis XV de traviole sur les degrés pour dire le déclin de la maison Ravenswood.

Il va de soi, selon la mode qui a déjà un demi-siècle, que personne ne porte d’habit d’époque XVII^e siècle de l’action : celui qui s’en approche le plus, c’est le héros, mais en costume XVIII^e, catogan, jabot et bottes, le reste étant un méli-mélo d’habits XIX^e, ces messieurs avec haut de forme et quelques belles dames, dansantes on ne sait pourquoi, là oui, belles, dans des robes raffinées avec des tournures bouillonnées à la Balenciaga du soir (Patricia Tofolutti). Mais le comble, c’est, d’abord en transparence, ensuite dans toute la crudité et cruauté du ridicule, le fiancé de Lucia, visage enfariné, en smoking et chapeau haut de forme blancs, canne à la main avec des gestes de Monsieur Loyal fantôme échappé de quelque cirque, escorté de deux gitons ou gigolos le haut en smoking et le bas, horreur, en calçons et jarretelles à chaussettes : Arturo, le mari imposé à Lucia n’est même pas un riche gommeux, gandin ou godelureau, galurin de guingois,  c’est un gugusse guindé, gogo pitoyable, gue-gue-gue-ga-ga-ga, moins victime de la folle Lucia, qui le tue à raison, que de la folie ou gâtisme du metteur en scène. Mais le ténor Mark Van Arsdale qui le joue, beaux suraigus, n’est pas responsable de cet assassinat.

Heureusement, la direction musicale très dynamique de Francesco Lanzillotta et attentive au chanteur dans la bonne tradition lyrique italienne sauve la mise et la mise en scène par une dramatisation des tempi qui rattrape le burlesque du plateau. La distribution est mieux qu’honorable : en Alisa, suivante de Lucia, en quelques phrases, la mezzo Julie Pasturaud laisse entendre un timbre riche et prometteur. Pierre-Emmanuel Roubet, le troisième ténor de la partition, est Normanno avec aussi peu d’interventions mais, nous semble-t-il, on ne le lui reprochera pas, victime de quelque refroidissement de ce dimanche froid.

C’est le baryton David Bižić, annoncé victime d’un rhume, qui nous surprend par sa santé vocale en Enrico, plein de noirceur vocale et morale, massif, brutal, très crédible scéniquement : la femme, la sœur est bien une marchandise à disposition du mâle héritier de la famille. Dans le rôle du prêtre qui se prête à la machination du frère de Lucia, l’exhortant au mariage qui lui répugne malgré sa promesse à Edgardo, la basse Jean Teitgen, tête de Michel Blanc chenu sur stature imposante, affublé de deux soutanes de pasteur, noir et feu, double fonction mortifère et diabolique, déjà deuil et sang, déploie un timbre sépulcral impressionnant. Par sa silhouette élégante et sa voix au beau métal, franche, solide, qu’il allègera bien dans les redoutables aigus de son air final, le ténor Roberto De Biasio campe un Edgardo crédible visuellement et vocalement ; mais, hélas ! sans aucune direction d’acteur, comme Hernani d’Hugo, il est « une force qui va » mais sans savoir où : il monte et descend ces degrés, se perche aussi sur le socle comme un coq, mais raide comme une girouette clouée, se roule aussi par terre ; il se plante au milieu de la scène, ne sait que faire de ses bras et semble en battre la mesure plutôt que son ennemi car, l’épée brandie, plutôt qu’avec l’arme d’Enrico, il paraît vouloir croiser le fer avec la baguette du chef qu’il ne quitte pas regard.

 Lucia, c’est la soprano colorature turque Serenad Uyar. Son physique sain, avec de belles rondeurs sont loin du stéréotype de l’héroïne romantique chlorotique, éthérée, déjà prédestinée visuellement à la mélancolie, à la dépression : à la folie. Au contraire, cette santé d’une belle jeune femme amoureuse accuse à mes yeux les auteurs mâles et la gravité de leur complot qui va détruire cette solidité plastique et sans doute mentale, la faisant sombrer dans la folie, que rien en elle ne laisse prévoir d’entrée : la scène d’hallucination de la fontaine n’est pas forcément un signe grave de sa faiblesse psychique. Surtout avec la franchise et la rondeur, peu habituelles dans ce type de voix, au timbre riche qu’elle manifeste, sans faille. Cela ne rend que plus pathétique ce qu’on en fera. Sa technique à toute épreuve la tire sans mal de celle de cette longue et terrible scène finale, folie induite mais parfaitement et raisonnablement conduite :  la tête, plus que la voix, prime dans le chant comme le dit Berganza. Un bonheur musical.

On salue les chœurs (Christophe Bernollin) et, pourquoi pas les danses, même incongrues dans l’action, de Valentina Escobar qui fait joliment se mouvoir les jolies dames en robe de soirée et gants jusqu’au coude.

Opéra de Toulon,

9, 11 et 13 mars 2018

Lucia di Lammermoor de Gaetano Donizetti,

Direction musicale : Francesco Lanzillotta

Mise en scène et lumières : Henning Brockhaus

 Chorégraphie : Valentina Escobar


Décors Josef Svoboda.Réadaptation des décors Benito Leonori

Costumes : Patricia Tofolutti

Distribution

Lucia :  Serenad Uyar  ; Alisa Julie Pasturaud ;

Edgardo :  Roberto De Biasio ; 
Raimondo :  Jean Teitgen ; Enrico :  David Bizic
 ; Arturo : Mark Van Arsdale ;
 Normanno : Pierre-Emmanuel Roubet

Orchestre et Chœur de l’Opéra de Toulon

Coproduction Teatro Comunale di Modena, Fondazione Teatri di Piacenza, Fondazione “I Teatri” di Reggio Emilia, Teatro Regio di Parma, Fondazione Pergolesi Spontini di Jesi

Photos : Frédéric Stéphan
1. Des poilus aux boucliers romains ;
2. Edgardo et Lucia (De Blasio,  Uyar) ;
3. Méchants et table décadente (Bizic,  Roubet) ;
4. Gogo gugussse, le mari (Van Arsdale ) ;
5. Lucia et son mari assassiné (Uyar, Van Arsdale)